Archives expositions personnelles France

Archives expositions personnelles (G)

Camille Grosperrin a été affectée par le contexte d’une entreprise familiale fragilisée par la crise pandémique, même si son rythme ralenti lui a permis une expérience unique dans le rapport privilégié entretenu avec le lieu et les artisans. L’artiste s’est montrée très sensible aux fantômes de l’usine, à l’abandon de certains savoir-faire et matériaux qui possèdent pourtant un grand intérêt hors d’un contexte de production standardisé. Camille Grosperrin a donc notamment souhaité travailler avec les chutes de cornes et d’os mais aussi utiliser des outils oubliés tels un copieur à bois ou une mini-fonderie.

À travers la nouvelle série de sculptures de l’artiste, l’exposition L’âne, le phasme et le bâton présente le fruit de cette résidence. Toutes les histoires de la fabrique s’imbriquent et prennent forme dans des sculptures étranges, grandes lignes noires et courbes auxquelles viennent se greffer des éléments animaux et végétaux, telles des ombres qui déambulent au sein de l’exposition.

«Lors de ma toute première visite chez Fayet, j’ai rencontré Cédric Dauduit, co-dirigeant de l’entreprise, qui racontait, au milieu de sa collection de cannes antiques, l’histoire de la canne, mais surtout l’histoire de sa fin. Car la canne de luxe est un objet désuet par essence, une rareté, quelque chose qui ne fait plus partie de notre environnement quotidien. « Quand les premières voitures sont arrivées, et qu’elles ont petit à petit remplacé les fiacres, les hommes ont dû abandonner la canne et le haut de forme, car il n’y avait pas de place ni en hauteur, ni devant les jambes. À partir de là, la canne comme objet de mode est devenue moins présente. »
Je n’avais jamais pris conscience que la disparition de la canne coïncidait avec la fin du cheval. Cette réflexion a été à la base de la série de sculptures produites dans le cadre de cette résidence, et qui se déploie aujourd’hui dans l’espace de l’usine du May.
Par la suite, j’ai passé plusieurs semaines au sein de l’entreprise Fayet. J’ai fait régulièrement l’aller-retour entre mon atelier personnel, où je travaillais la céramique, et l’usine, où je retrouvais Lilian Dauduit et Éric Tournebize, les artisans qui m’apprenaient les gestes de leur travail, me montraient com­ment fondre de l’étain ou encoller, couper et poncer de la corne. Puis nous avons créé ensemble des gestes nouveaux, en décidant de flamber et de tordre de grandes cannes de rotin, ce qui sortait complètement du cadre de leur production habi­tuelle.

La plupart des cannes anciennes de la collection Fayet sont ornées de pommeaux décoratifs à figure animale. Le cheval en est une figure ré­currente. Parmi toutes les archives conservées, j’ai été très touchée de trouver un petit pommeau à tête d’âne et un autre orné d’un sabot en corne sculptée. J’ai choisi de réactiver ce motif à travers une sculpture en étain : un sabot, qui viendrait non pas se fixer au som­met d’un bâton, à la manière d’un pommeau, mais à l’inverse, s’ancrer dans le sol.
Ces supports en étain servent de base à des tiges de rotin qui se tordent et se déploient, formant des courbes noires qui évoluent comme de grandes lignes tracées en volume dans l’espace. Les formes semblent en transformation constante. Les cannes déformées, aux pieds posés sur le sol, deviennent des bâtons qui marchent, des bâtons de marche, des « walking sticks », d’après le mot qui désigne la canne en anglais.
Dans ces tiges noires qui se tordent et s’enroulent, sont parfois fichées des fleurs séchées, des chardons. Ou des feuilles, qui, lors­qu’on s’approche, ont la brillance du verre ou du plastique. C’est de la corne : polie, ultrabrillante, fine et transparente. Plus loin, un ensemble de pierre taillées de différentes couleurs jonche le sol. On les jurerait minérales; elles sont animales elles aussi, assemblages hétéroclites de corne de vache, de buffle, de cerf.

Des concrétions céramique où s’enchevêtrent des motifs de pierre, de fourrure, de feuilles et lichens viennent parfois soutenir ou appuyer un mouvement du rotin, éviter sa chute, contrebalancer son poids, le jeter en l’air ou l’écraser au sol. Ces sculptures sont fragiles, la matière a été poussée au bout de ses limites, et cela se ressent dans leur présence, qui est comme suspendue.
La question du mimétisme et surtout de la transformation par le mimé­tisme est au centre de ce travail. Les pistes visuelles sont brouil­lées entre ce qui pourrait être l’animal, le végétal ou le minéral, et l’on passe sans arrêt de l’un à l’autre. Mais le vivant, ou plutôt l’idée du vivant, est omniprésente.
Dans un coin, posés sur un bouquet de vraies feuilles de ronces, des phasmes, insectes brindilles que l’on peine à apercevoir, et que l’on cherche du regard. En anglais, le même terme « walking sticks » dé­signe à la fois le phasme et la canne. Dans l’exposition, ils in­carnent cette idée de métamorphoses, d’apparitions et de disparitions successives, qui trouve sa source dans leur nom : Phasma signifie, en grec ancien, « fantôme » ou « apparition ». Leur première appellation scientifique fut « Spectre », en 1787.
Comme eux, dans les sculptures en rotin, métal et céramique « walking sticks » la canne disparaît, réapparaît, entourée de ses métamorphoses visuelles successives (en cheval, en serpent, en ligne pure, en es­pace…) et des fantômes qui l’entourent et qui la suivent.
En parallèle de ce travail de sculpture, j’ai choisi de faire inter­venir le duo de musiciens Léo Maurel et Julien Desailly au sein des ateliers Fayet pour une performance musicale filmée. Les musiciens ont travaillé avec le duo d’artisans à faire résonner les sons de l’usine pour lui donner une voix, une présence physique au sein de l’exposi­tion, sous la forme d’un court film projeté.» Camille Grosperrin

Camille Grosperrin est née en 1988 en région parisienne. En 2008, après sa formation en design textile à l’ESAA Duperré, elle rejoint l’École des Arts Décoratifs de Strasbourg, où elle se familiarise au travail de la terre et des émaux dans l’atelier de l’artiste Elsa Sahal, et à la vidéo auprès du cinéaste Alain Della Negra. Diplômée en 2012, elle a vécu et travaillé à Paris, puis dans les Vosges, avant de s’installer en Auvergne en 2019. Depuis quelques années, elle élabore une façon de travailler dans une multitude d’allers-retours entre la céramique, le dessin et la vidéo. Avec une approche qui provient du modelage, elle fait naître des formes petit à petit, par touche, en manipulant la matière autant que possible pour en faire émerger des enjeux narratifs. Camille Grosperrin se nourrit aussi des histoires qu’elle collecte, d’anecdotes et de mythes qui abondent son travail de création. L’omniprésence de la figure animale est une caractéristique qui lui est propre, souvent dans les relations qui se tissent entre l’humain et l’animal. Celui-ci est pour elle à la fois le miroir qui lui permet de porter un regard sur notre façon d’être au monde, et l’élément passerelle qui nous fait basculer dans le merveilleux, rejoignant souvent les grandes figures du conte.

L’Usine du May présente également l’exposition de Sophie Helene, Pierres secrètes

La « laisse de mer » est le terme qui désigne tout ce qui est déposé par la mer sur la plage après la marée haute et dans laquelle on trouve le plus souvent des débris de végétaux, des restes d’animaux et de nombreux déchets liés aux activités humaines. C’est à partir de ces différents matériaux que Sophie Helene a créé ses néo-géodes ou pierres secrètes, en utilisant un processus de pétrification naturel, permettant de créer de véritables cailloux. Ainsi figés dans un écrin de pierre, les déchets ordinaires, symboles de notre société de progrès et de consommation, interrogent notre empreinte sur la terre à l’ère de l’anthropocène.

Camille Grosperrin, L’âne, le phasme et le baton

Le Creux de l’Enfer Usine du May, Thiers

15.10.2022 - 26.02.2023

 

 

 

 

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Communiqué de presse

Camille Grosperrin a débuté en septembre 2021 une résidence dans l’entreprise Cannes Fayet à Thiers. L’entreprise produit des cannes depuis 1909, il s’agit de la dernière fabrique de cannes en France. Leur savoir-faire est proche de celui de l’ébénisterie, auquel s’ajoutent les compétences et techniques particulières liées aux autres matériaux utilisés (corne, os, métal, etc.). L’entreprise produit également des bâtons de combat calibrés pour la pratique sportive et des parapluies de luxe, qui font appel aux mêmes compétences de courbage, tournage et finition que les cannes.

 

 

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Gilles Aillaud, Le silence sans heurt du présent

En coproduction avec les Musées des beaux-arts de Rennes et de Saint-Rémy de Provence, cette rétrospective parrainée par la Fondation d’Entreprise Michelin est la première grande exposition consacrée à l’artiste depuis 10 ans. Une cinquantaine de tableaux provenant de grandes collections publiques et privées seront exposés au FRAC Auvergne.

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Exposition du 10 décembre 2016 au 05 mars 2017.
Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes – 06570 Saint-Paul de Vence. Tél. : +33 (0)4 93 32 81 63. Ouverture tous les jours de 10h à 18h.

Exposition du 10 décembre 2016 au 30 mars 2017.

Espace de l’Art Concret, château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux. Tél. : +33 (0)4 93 75 71 50. Ouverture du mercredi au dimanche de 13h à 18h.

À l’Espace de l’Art Concret, mettant en jeu le concept d’art total dans C’est à vous de voir..., , Pascal Pineau investit les espaces du Château pour en retrouver la fonction originelle, interrogeant la valeur d’usage des œuvres. Expérimentant les limites du décoratif et de l’ornemental, il ouvre un dialogue entre pièces issues de l’artisanat, du design, objets de brocante et œuvres d’art ‘proprement dites’. Ainsi, les salles d’exposition se transforment en une succession d’espaces domestiques fictifs. Cuisine, bureau, salon, chambre d’enfant, suite parentale… chaque pièce peut se percevoir comme un portrait en creux de l’artiste qui pose un regard introspectif sur une trentaine d’années de pratique artistique.

Sur l’invitation de Pascal Pinaud, Alexandre Curtet, fondateur de Loft interior designers, a été sollicité pour concevoir l’aménagement intérieur de ces espaces en dialogue avec ses œuvres, mais aussi celles d’artistes avec lesquels ce dernier partage des affinités esthétiques, comme Noël Dolla, Mathieu Mercier, Natacha Lesueur, Philippe Ramette…